Estas obras trazan el inicio de un despliegue. Son el lugar donde comenzaron las preguntas: sobre el sonido, el cuerpo, el sistema y la percepción. Aunque creadas en un momento con menos recursos y herramientas más rudimentarias, estas piezas siguen resonando. Contienen las semillas de todo lo que vino después.

Cada una es un fragmento, un campo de tensión, un punto de inflexión. Algunas están documentadas solo parcialmente —pero los ecos permanecen.

Disappear Here (2008)

Una pieza que entrelaza hilos sonoros con cada movimiento. Influenciada por las Oblique Strategies de Brian Eno y la presencia fantasmal de Ian Curtis —su voz, su fractura, su magnetismo—, Disappear Here habita las zonas grises entre la tensión y la liberación.
Una inmersión claustrofóbica en la sombra y la luz, en la identidad y la lucha por liberarse.
Sin saber aún que el sonido se convertiría en el núcleo de mi camino artístico, esta obra marcó ese primer despliegue: el sonido como esencia, el movimiento como vehículo.
Todo el proceso fue impulsado por la creación del diseño sonoro, que propuso una atmósfera clara, un fundamento sólido y la inspiración para el desarrollo físico.
El sonido como motor creativo.

Rattlepit (2011)

Una exploración visceral, inspirada en el tríptico El jardín de las delicias de Hieronymus Bosch.
Una obra donde el sonido físico de huesos rompiéndose se convierte en catalizador de una reacción emocional.
En estrecha colaboración con el compositor Richard van Kruisdijk, el paisaje sonoro actúa como un intérprete más —enredándose con la coreografía, empujándola, provocándola.
Esta pieza marcó mis primeros pasos hacia el uso del sonido como entorno y también como protagonista/antagonista.

Feedback (2013)

Un estudio sobre la acumulación y la emergencia.
Junto a Helena Volkov, exploré la fragmentación de elementos escénicos y sonoros: proyecciones de video, humo, y un bucle de retroalimentación entre micrófono y altavoz.
Por primera vez, permití que el significado emergiera de la superposición de imagen y sensación —en lugar de definirlo de antemano.
Esta obra sentó las bases de herramientas compositivas que luego formalizaría en mi metodología creativa BeingSonic.

MasturNation (2014)

Una obra audaz y multidisciplinar que fusiona danza, video, sonido e iluminación en un espacio claustrofóbico y cargado de humor oscuro.
Fue la primera vez que diseñé completamente el mundo escénico, experimentando con disposiciones no tradicionales del público y un enfoque espacial cambiante —invitando al espectador a acercarse y alejarse de la acción como si fuera una instalación en movimiento.

Mezclando twerking, can-can, Barbie, movimientos de stripper y cultura pop, MasturNation confronta la hipersexualización de la figura femenina en los medios.
Las intérpretes son llevadas a extremos físicos, mientras el espacio mismo se convierte en un contenedor de crítica — desplegándose entre el exceso, la exposición y el extrañamiento.

Esta pieza marcó otro hito: usar el sonido no solo como atmósfera, sino como portador de significado.
Voces robóticas y digitalizadas interrumpen la coreografía —cuestionando y revelando lo que se esconde bajo la superficie.
Estas frases fracturadas funcionan como una radiografía mental: muestran monólogos internos, ironía o presiones sociales en tiempo real.